Aveiro | Teatro Aveirense > 24 Outubro 2026
Famalicão | Casa das Artes > 30 Outubro 2026
Porto | Auditório de Serralves > 1 Novembro 2026
Monção | Cine-Teatro João Verde > 13 Novembro 2026
Bragança | Teatro Municipal > 11 Fevereiro 2027

João Reis > criação, encenação e interpretação
Nuno Aroso > criação e interpretação
pedro fonseca/colectivo ac > desenho de luz e espaço cénico
Marta Félix > voz off
João Ribeiro > fotografia
Tomás Quintais > produção sonora
arte no tempo > produção

música original: Chiyoko Szlavnics e Nuno Aroso
texto original: Andreia C. Faria

No culminar de uma trilogia que investigou e deambulou pela materialidade da dúvida – A fog machine e outros poemas para o teu regresso (2021) – e a transcendência do olhar perante a opacidade – radiografia (2023) – Uma Linha de Luz na Água é uma tentativa de mergulho nas profundezas filosóficas da água,  superfície instável e diversa e a partir da qual João Reis e Nuno Aroso – com texto original de Andreia C. Faria, desenho de luz e espaço cénico de Pedro Fonseca, música original de Chiyoko Szlavnics e do próprio Nuno Aroso – traçam uma espécie de fluxo constante de estímulos onde a água é movimento contínuo – lava, leva, atravessa, contorna, invade, resiste, preenche – traz com ela um lastro de contaminação e regeneração, de força matricial, de apelo infindável à dissolução, à fluência da memória. 
Obscuridade e transparência, reflexos, dissonâncias, clarões de luz e sombra para saber usar amiúde o dom de caminhar sobre a água.

• Oxana Omelchuk (1975) | Nocturnes [2020]* ca 16′

• Michelle Lou (1975) | Near Distant [2021]* ca 22′

• Raphaël Cendo (1975) | Control [2017]* ca 10′

• 2 obras a anunciar, seleccionadas no âmbito do workshop para compositores com o Ensemble Inverspace**

* estreia nacional
** estreia absoluta

Ensemble Inverspace
Susanne Peters > flautas
Patrick Stadler > saxofones
Clemens Hund-Göschel > piano e teclados
João Carlos Pacheco > percussão e electrónica

Marvão | Academia Int. Música, Artes e Ciências > 29 Setembro 2024
Porto | Auditório de Serralves > 6 Outubro 2024
Póvoa de Varzim | Auditório Municipal (Festival) > 16 Julho 2025
Braga | Theatro Circo > 7 Março 2026
Sever do Vouga | Centro de Artes do Espectáculo > 20 Março 2026
Aveiro | Teatro Aveirense > 22 Março 2026
Marvão | Igreja do Espírito Santo (Festival) > 27 Julho 2026
Castelo Branco | Cine-Teatro Avenida > 28 Fevereiro 2027

Ana Caseiro > soprano
Ricardo Carvalho > flautas
Horácio Ferreira > clarinetes
Diogo Coelho > violino/viola
Gonçalo Lélis > violoncelo
João Casimiro Almeida > piano
Pedro Fonseca > desenho de luz e espaço cénico
Diana Ferreira > legendagem

Segundo René Leibowitz, no Outono de 1911, Schoenberg fez um conjunto de palestras sobre estética e ensino da composição em Berlim, onde tomou contacto com a actriz Albertine Zehme. Seria Zehme a dar-lhe a ideia de compor sobre poemas da colectânea Pierrot Lunaire: Rondels bergamasques [1884], do simbolista belga Albert Giraud (1860-1929), mas partindo da tradução alemã de Otto Erich Hartleben, publicada em 1892. Entusiasmadíssimo e aproveitando todos os momentos disponíveis entre aulas e outras obrigações, o compositor cria uma nova partitura a partir de uma selecção de vinte e um dos cinquenta poemas traduzidos, organizando-os em três conjuntos de sete. Por muitos elogiada como melhor do que o original, a tradução de Hartleben respeitou a forma dos poemas, mas introduziu alterações significativas, como a utilização de versos sem rima. Apaixonado pela numerologia, na sua partitura Schoenberg faz ainda aparecer três vezes o primeiro verso de cada um dos vinte e um poemas (passando cada um a ter treze em vez de doze linhas). O resultado musical são vinte e um melodramas para voz feminina com acompanhamento instrumental de flauta (também piccolo), clarinete (alternando com clarinete baixo), violino (também viola), violoncelo e piano, variando, a cada um deles, na instrumentação. 

A máxima variedade é obtida através de recursos mínimos e a economia de meios traduz-se não só na exploração de todas as combinações tímbricas possíveis com um instrumental reduzido, como na criação de rico e profuso material musical, muitas vezes partindo da mesma raiz. 

Sem deixar de se socorrer de recursos inscritos na tradição, Pierrot Lunaire, op. 21 está repleta de novidade. Abandonando o cromatismo das suas obras pós-românticas, a partir de 1908 Schoenberg mergulha numa pantonalidade de que fará uso até despir definitivamente a harmonia de relações hierárquicas. E tal como em Die Glückliche Hand, op. 18, que compõe entre 1910 e 1913, o compositor estabelece aqui um uso sistemático do sprechgesang (simplisticamente traduzível como canto falado), aproximando o discurso vocal de uma acção dramática mais expressiva.

É em Pierrot Lunaire, op. 21 que Schoenberg apresenta o seu mais sofisticado contraponto de até então. A reutilização de melodias em diferentes contextos, ao longo da obra – i.e., passando-as de um instrumento para outro em diferentes peças, apresentando-as na sua forma retrogradada ou organizando-as em canones diversos – confere unidade a um todo expressionista, que combina grotesco, sentimentalismo, ironia, leveza e horror, no registo descomprometido de um cabaret.

Resumindo melhor do que ninguém, Leibowitz compara Schoenberg a Bach em engenho e inventividade, realçando a notável clareza resultante de tal rigor e complexidade de escrita. Nesse contraponto claríssimo, nos antípodas da sonoridade pesada das orquestrações românticas, o piano é o instrumento mais presente ao longo da obra, alternando entre texturas diversas. 

Como exemplos dessa mestria, refira-se o nº 8, Nacht, uma rigorosa passacaglia, grave e escura como a noite; a coda do nº 13, Enthauptung, que recupera do nº 7 a melodia da flauta e a da voz, atribuindo agora esta última ao clarinete baixo e, posteriormente, ao violoncelo com imitação na viola; no nº 17, o clarinete apresenta a linha da viola em movimento contrário, verificando-se ainda um canon duplo entre voz e flautim e, em movimento contrário, entre viola e clarinete; no nº 18, verifica-se um canon duplo por retrogradação entre flauta/clarinete e violino/violoncelo, havendo um eixo de simetria a meio da peça, relativamente ao qual tudo é novamente tocado na ordem inversa, a que voz e piano (num contraponto fugado a três vozes) permanecem alheios.   

Com o próprio compositor a dirigir e a voz de Albertine Zehme (vestida de Pierrot), a estreia de Pierrot Lunaire, op. 21 foi suscitando reacções diversas: alguns assobios na primeira parte, um enorme entusiasmo na segunda e até gargalhadas na terceira (que fizeram Schoenberg interromper o espectáculo até que se fizesse novamente silêncio). Naquele 16 de Outubro de 1912, na ainda recente Choralion saal, em Berlim, a obra acabou por se revelar um êxito, com vários regressos a público de todos os intérpretes, em final apoteótico.

Mais de cem anos depois, continuamos a tocar e ouvir Pierrot Lunaire, op. 21 com o mesmo espanto com que regressamos repetidamente e ávidos aos incontornáveis clássicos. 

Cumprindo a tradição do ars ad hoc, que faz da música de câmara também um exercício de cidadania, esta apresentação resulta de um trabalho aprofundado de exploração conjunta da partitura, dispensando-se o recurso a (ou a segurança conferida por) um maestro. 

D. F.

• bilheteira •

• José Manuel López López (Madrid, 1956) | Cuarteto de cordas nº 2 Infinita Domenica** [2019-20] ca 23’

• Guilherme Costa (Porto, 1995) | Quarteto de cordas nº I “0.f” * [2026] ca 10′

• Hèctor Parra (Barcelona, 1976) | Leaves of Reality [2006-07] ca 11′

• Liza Lim (Perth, 1966) | String Creatures, for violin (with low octave string), violin, viola, cello [2022] ca 28′
– Cat’s Cradle (3 diagrams of grief)
– Untethered
– A nest is a woven from the inside out

* estreia absoluta
** estreia nacional

Fabrik Quartet
Federico Ceppetelli e Muzi Lyu > violino
Jacobo Diaz Robledillo > viola
Elena Cappelletti > violoncelo

• bilheteira •

• Daniela Terranova (Udine, 1977) | Flowers endlessly open*[2020] ca 9’

• Beat Furrer (Schaffhausen, 1954) | aer [1991] ca 7’

• Christophe Bertrand (Wissembourg, 1981 – Estrasburgo, 2010) | Sanh [2006] ca 11’

• Helmut Lachenmann (Estugarda, 1935) | Allegro Sostenuto [1986-88] ca 30’

* estreia nacional

Trio Catch
Martin Adámek > clarinete
Eva Boesch > violoncelo
Sun-Young Nam > piano

• bilheteira •

• Beat Furrer (Schaffhausen, 1954) | Invocation VI [2003]
para soprano e flauta baixo

• Feliz Anne Reyes-Macahis (Rizal, 1987) | alapaap** [2024] 

para flauta, acordeão e percussão

• David Teixeira da Silva (Porto, 2002) | éternelle** [2025]

para soprano, flauta, acordeão e percussão

• Malin Bång (Sävedalen, 1974) | Hyperoxic* [2011]
para flauta baixo e dois performers

• Pedro Berardinelli (Viseu, 1985) | (des)en)canto)* [2022]
para soprano, flauta, acordeão e percussão

* estreia nacional
** estreia absoluta

between feathers
Hannes Schöggl > percussão
Maria Mogas Gensana > acordeão
Audrey G. Perreault > flautas
Beatriz Gaudêncio Ramos > voz

• bilheteira •

• Daria Scia (1986) | Wir sind alle und niemand. Wir umarmen uns für immer.* [2024]

para violino, viola, violoncelo, contrabaixo e piano

• Hristina Šušak (1996) | DELIRIUM* [2024]

para violino, viola, violoncelo, contrabaixo e piano

• Lorenzo Troiani (1989) | Im Magen des Ungeheuers* [2024]

para violino, viola, violoncelo, contrabaixo e piano

• Katharina Roth (1990) | Tot ist das Mädchen* [2024]

para violino, viola, violoncelo, contrabaixo e piano

• João Carlos Pinto (1998) | black midi** [2024]

para violino, viola, violoncelo, contrabaixo, piano e electrónica

* estreia nacional; encomenda ‘impuls’ com estreia a 18.10.2024, no âmbito do projecto Text im Klang #6, centrado na obra da escritora austríaca Elfriede Jelinek (1946).
** estreia absoluta; encomenda da Arte no Tempo financiada pela Direcção Geral das Artes.

Schallfeld Ensemble
Lorenzo Derinni <violino>
Francesca Piccioni <viola>
Myriam García Fidalgo <violoncelo>
Margarethe Maierhofer-Lischka <contrabaixo>
Maria Flavia Cerrato <piano>

• Mirela Ivičević (1980) | Exhale Stardust * [2021] ca 12′
para clarinete, violoncelo, guitarra eléctrica, percussão e samples

• Solange Azevedo (1995) | Is it the timer set? ** [2024]
para clarinete, violoncelo e teclado

• Øyvind Torvund (1976) | Krull Quest [2004]
para violoncelo, sons electrónicos e video

• Michelle Lou | Tooth * [2023]
para saxofone tenor, violoncelo, guitarra eléctrica, percussão, teclado, sons electrónicos e dispositivos de feedback

* estreia nacional
** obra em estreia absoluta; encomenda da Arte no Tempo financiada pela Direcção Geral das Artes

asamisimasa
Ellen Ugelvik < teclado >
Tanja Orning < cello >
Morten Barrikmo < clarinetes >
Håkon Stene < percussão >
Anders Førisdal < guitarra >

Kuniko Kato e Nuno Aroso

• Misato Mochizuki (1969) | Quark – Intermezzo III* [2010] ca 13′
para um percussionista (NA)

• Atsuhiko Gondai (1965) | Liebster Jesu, Wir sind hier [2001] ca 15′
para marimba (KK)

• Inés Badalo (1989) | Glass landscapes [2021] ca 9′
para um percussionista e objectos de vidro (NA)

• Akira Miyoshi (1933-2013) | Torse II [1965] ca 8′
para marimba solo (KK)

• António Chagas Rosa (1960) | From the Journal of Delacroix** [2021] ca 15′
para dois percussionistas

^{* estreia nacional
** estreia absoluta; encomenda da Arte no Tempo financiada pela Direcção Geral das Artes}

Portugal e Japão partilham um conjunto de palavras, lugares e memórias, frutos da inestimável herança de viagens de outrora. Desde sempre fascinado por estes movimentos e seus intrépidos protagonistas, desde os pioneiros até, por exemplo, Wenceslau de Moraes, Nuno Aroso iniciou um processo de exploração das afinidades musicais entre as duas culturas, o que o conduziu à necessidade de expor essa “contaminação” cultural à área da música dos nossos dias.
Kuniko Kato, figura maior da percussão japonesa, junta-se a Nuno Aroso e, juntos, explorarão os universos paralelos do instrumental clássico e do tradicional, estreando a obra composta para a ocasião por António Chagas Rosa (Lisboa, 1960).

master class com Kuniko Kato | Aveiro > 19 de Maio

[Portugal|Japão] original

• Pauline Oliveros (1932-2016) | Rock Piece [1979] ca 11’
músicos orientadores e público

• Winnie Huang (1986) | tick tock iiiiii* [2021] 13’
4 performers de música gestual

• Franco Venturini (1977) | Piano vivant* [2019] 15’
piano amplificado e 4 performers a tocar no e dentro do instrumento

• Rúben Borges (1994) | INLand ** [2023] 10’
piano, clarinete, keytar, objectos, electrónica + vídeo

• Jeppe Ernst (1985) | Offertorium – Behandling A [2018] 9’
música para toque físico, 2 performers

• Aviva Endean | Song Invitation: lullaby [2019] 4’20’’
música para toque físico, 2 performers

* estreia nacional
** obra em estreia absoluta, composta para o soundinitiative; versão curta

soundinitiative
Franco Venturini <piano>
Szymon Kaça <clarinete>
Gwen Rouger <piano/teclados/piano-midi>
Louise Leverd <violoncelo>

[actividade associada: tubo de ensaio 08]

Nota: os concertos Tubos de Ensaio são actividades organizadas pelo Teatro Aveirense com curadoria da Arte no Tempo.