Compositor, professor e maestro, Armando Santiago (Lisboa, 1932) estudou canto, piano e violoncelo no Conservatório Nacional de Lisboa, assim como Direcção de Orquestra com Hans Münch e Franco Ferrara, em Itália. Em 1954 é-lhe atribuído o Primeiro Prémio de História da Música e, em 1960, o Primeiro Prémio de Composição, ambos no Conservatório Nacional. Posteriormente desloca-se para Paris, onde estudou as técnicas da música concreta com Pierre Schaeffer, no Serviço de Pesquisa da ORTF.
Bolseiro dos Governos de Portugal e de Itália, trabalhou em Roma, com Boris Porena, e seguiu o curso de Goffredo Petrassi na Academia de Santa Cecília, obtendo o diploma de estudos superiores de Composição. Em 1968 fixa-se no Canadá, onde inicia actividade docente em Composição e dirige a classe de orquestra do Conservatório de Música de Trois-Rivières, instituição de que foi, mais tarde, director (1974-1978). Naturalizado canadiano em 1972, foi ainda nomeado director do Conservatório de Música do Quebec, tendo sido o responsável, a pedido da Direcção Geral dos Conservatórios de Música do Quebec, para prosseguir as reformas dos programas de ensino. Com um catálogo que abrange os géneros solísticos, de câmara, orquestral, vocal e electrónico, a sua actividade de composição surge como uma forma de responder a uma necessidade pessoal, procurando o cumprimento do detalhe e da justeza de cada atitude. Sem perder de vista o ensino da História, para Armando Santiago, compor não é um acto isolado da problemática geral da criação artística.
A partitura musical não é, assim, mais do que um ‘ajustamento’, por via de códigos específicos, e o compositor um artesão-filtro, sensível e ecléctico. As transformações da linguagem e dos símbolos, apanágio do diálogo, penetrarão então implicitamente, por osmose, na estrutura profunda da obra, e isto, à margem da adopção activa de soluções imediatas de última hora, do refúgio sistemático da trajectória da herança, ou do pudor dos valores do humano.

(última actualização: 2017)

Ricardo Guerreiro (Lisboa, 1975) desenvolve a sua actividade artística predominantemente no âmbito da composição e da performação de música electroacústica. Tem um particular interesse pela descrição algorítmica do fenómeno sonoro e pela integração do som sintético em formações instrumentais mais tradicionais, sobretudo em âmbito camerístico. Ao longo dos últimos anos tem vindo a colaborar com diferentes músicos na composição de situações performativas de contexto diversificado, representadas em várias edições discográficas. A sua aproximação à criação musical tem sido progressivamente influenciada pelas disciplinas clássicas das denominadas ‘artes visuais’, nomeadamente o desenho, a pintura e a escultura. Uma maior consciencialização desta relação tem-no levado a privilegiar musicalmente características como a textura sonora de fundo (o silêncio pós-Cage), o sentido de escala (tempo, durações, proporções), a morfologia interna do material sonoro implicado, bem como a encenação formal dos diferentes elementos musicais. Mais recentemente, tem procurado actualizar e alargar a noção de escrita musical enquanto poética associada ao conjunto das expressões literárias computacionais.
Investigador no CESEM (Centro de Estudos de Sociologia e Estética Musical) da FCSH da Univ. Nova de Lisboa, é doutorado em Ciência e Tecnologia das Artes, com especialização em Informática Musical / Computer Music (2015) pela Escola das Artes da Universidade Católica do Porto. Licenciou-se em Composição pela Escola Superior de Música de Lisboa (2000), em Música Electrónica (2004) pelo Conservatorio di Musica Benedetto Marcello di Venezia (Itália) e em Ciências Musicais (2007) pela Universidade Nova de Lisboa. Frequentou os seminários semestrais de Estética (2001) e de Iconologia (2004) com Giorgio Agamben, respectivamente nas Universidades de Verona e Veneza. Frequentou cursos e seminários de composição em Lisboa, Porto, Aveiro, Paris (IRCAM – ’99), Darmstadt (’98 e 2000) e Veneza.
É Professor na Escola Superior de Teatro e Cinema.
Criou o ‘Laboratório de Som’ no Curso de Cinema / Imagem em Movimento’ no Ar.Co (Centro de Arte e Comunicação Visual), escola com a qual tem vindo a colaborar desde 2004.

(última actualização: Maio 2024)

(última actualização: 2022)

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(última actualização: 2021)

György Kurtág (Lugoj, 1926) estudou piano com Magda Kardos e composição com Max Eisikovits. Em 1946, mudou-se para Budapeste onde estudou composição com Sandor Veress e Ferenc Farkas, piano com Pál Kadosa e música de câmara com Leo Weiner. No final dos anos cinquenta, passou uma temporada em Paris que viria a ser determinante na definição do seu pensamento musical, estudando com Marianne Stein e assistindo às aulas de Milhaud e Messiaen, junto de quem adquiriu técnicas da segunda escola de Viena. De regresso à Hungria, onde viveu quase toda a vida e compôs a maioria das suas obras, escreveu a primeira obra do seu catálogo – quarteto de cordas.
Kurtág foi professor de piano e de música de câmara na Academia de Budapeste, de 1967 a 1986, ano em que se aposentou. Testemunho da sua dedicação ao ensino são os vários ciclos de peças para piano, Játékok, destinados a crianças e inspirados nas suas brincadeiras (Játékok = jogos). Também a música de câmara é um dos seus géneros favoritos, centrando-se a sua produção para pequenos agrupamentos num plano estrutural em que patenteia caracteristicamente a micro-forma.
Outro marco da sua obra é composto pelas peças vocais, de que o ciclo Messages de feu Demoiselle Troussova (1976-80), para soprano e agrupamento de câmara, é um belo exemplo.
Trabalhando textos de Kafka, Beckett, Dalos, Pilinsky, no âmago das suas preocupações encontra-se a semântica e a inteligibilidade do texto.

Caso paradigmático de auto-didactismo nos estudos musicais, Arnold Schönberg (Viena, 1874 – Los Angeles, 1951) foi dos mais importantes compositores e teóricos de todos os tempos. Iniciando-se, desde cedo, com pequenas experiências na composição, o próprio compositor advogava que Óscar Adler (violinista), David Bach (linguista, filósofo e matemático) e Alexander von Zemlinsky (compositor) eram os três responsáveis pela sua primeira instrução musical e literária. Depois de uma fase inicial, caracterizada por uma expansão da linguagem tonal vigente, e em que pontificam obras da maior importância como o admirável sexteto de cordas – Noite transfigurada (1899), o poema sinfónico Pelléas e Mélisande (1903), ou a Sinfonia de Câmara (1906), Schönberg passa por obras de magistral importância na sua produção (Pierrot Lunaire, de 1912), até que se aproxima definitivamente da atonalidade (ou “tonalidade suspensa”, como o próprio preferia), que o leva a desenvolver o sistema dodecafónico que surge, pela primeira vez no seu trabalho composicional, na Valsa, das suas Cinco peças para piano, Op. 23 (1920-1923). Sistema tão importante quanto ainda hoje por muitos odiado, marcou indelevelmente não só os seus directos alunos, mas também todas as gerações seguintes. Com a tomada do Poder pelos Nazis, Schönberg vê-se forçado a abandonar Berlim, exilando-se primeiramente em França e depois, definitivamente, nos Estados Unidos, onde viria a desenvolver uma actividade académica de relevo.

Ana Cancela (Porto, 1973) concluiu, na Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo do Porto, o grau de Licenciatura em Piano Solo nas classes dos professores Fausto Neves e Miguel Borges Coelho. É também licenciada e mestre em História da Arte, pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto. Exerceu actividade de concertista, dando preferência à interpretação da música contemporânea, e de docente de piano no Conservatório de Música do Porto (CMP), entre 2011 e 2017. Participou nas comemorações dos 100 anos do CMP, responsável pela integração da instituição no Google Arts and Culture Institute realizando um trabalho de investigação sobre as classes de Piano desde a fundação até à actualidade, que culminou com a exposição virtual “A tradição do Piano no CMP: 100 de história”. 
Paralelamente, dedica-se à investigação na área dos Estudos Transdisciplinares História da Arte/História da Música e Práticas Artísticas Contemporâneas. Actualmente é doutoranda em Estudos do Património (História da Arte) na Faculdade de Letras da Universidade do Porto, onde está a desenvolver uma investigação consagrada ao tema “Artes Sonoras na Performance Art em Portugal: sinergias, práticas e arquivo” sob a orientação da Professora Doutora Leonor Barbosa e co-orientação do Professor Doutor Hugo Barreira.
É investigadora integrada do Centro de Investigação Transdisciplinar Cultura Espaço Memória (CITCEM).

(última actualização: Fevereiro de 2022)